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Dec 162010

Partner: Substitut – Raum für aktuelle Kunst aus der Schweiz
Exhibition:
Untitled
Artist: !Mediengruppe Bitnik
Vernissage: 28 January 2011, 19:00 – 22:00
Dates: 29 January – 26 February 2011
Cost:
Free admission

Project description:
This exhibition unites six works of the Swiss artist group !Mediengruppe Bitnik from the past three years, plus a new work for transmediale.11. !Mediengruppe Bitnik is an artist collective with the main focus to investigate digital and analogue media and the impacts they have on society. This exploratory work is put into practice in artistic exhibitions, interventions in public space and in the development of social software and interfaces. Through their work !Mediengruppe Bitnik aims to create a space for social and cultural action and collaboration. In one of their latest works, !Mediengruppe Bitnik re-enacted Polizei lügt (Police lies), a work by Peter Weibel from 1971, in which an investment banker walking by spontaneously participated. The image of his quiet protest in front of a Zurich branch of the United Bank of Switzerland (UBS) became UBS Lies: Attacks 1971/2009. During the opening reception of the exhibition Too Big To Fail / Too Small To Succeed in London in September 2010, UBS London had the image removed from a billboard outside the exhibition space and threatened to sue if the image was to be used further.

Die Ausstellung zeigt sechs Arbeiten der Schweizer Künstlergruppe  !Mediengruppe Bitnik aus den letzen drei Jahren. Außerdem entwickeln die Künstler für das Substitut und transmediale.11 eine neue Arbeit. Nicht erst seit ihrer Aufsehen erregenden Aktion Opera Calling (2007) gehört die !Mediengruppe Bitnik zu den herausragenden Stimmen junger Kunst in der Schweiz, die mit elektronischen Medien arbeiten. Mit ihren prozessorientierten Aktionen zeigen sie das Durchdrungensein unseres Alltags mit Technologie und den Zusammenhang zwischen digitalen Medien und gesellschaftlichen Grundsatzfragen. In einer ihrer letzten Arbeiten UBS lügt reinszeniert die !Mediengruppe Bitnik Polizei lügt, eine Arbeit von Peter Weibel aus dem Jahr 1971. Ein zufällig vorbeigehender Anlageberater beteiligt sich während der Aufnahmen zu UBS lügt unaufgefordert an der Reinszenierung. Die Aufnahme seines stillen Protestes vor einer Zürcher UBS-Filiale wird UBS lügt: Anschläge 1971/2009. Jüngst hat die Arbeit in London für einigen Aufruhr gesorgt – während der Eröffnung der Ausstellung Too Big To Fail / To Small To Succeed im September 2010 ließ die UBS London das Bild UBS lügt von einer Plakatwand entfernen und drohte bei weiterer Verwendung des Bildes mit einer Rufschädigungsklage.

Venue information:
Substitut – Raum für Aktuelle Kunst aus der Schweiz is a non-profit space and platform for art from Switzerland. The exhibition unites six works of the Swiss artist group !Mediengruppe Bitnik from the past three years, plus a new work for transmediale.11. Their main focus lies in the investigation of digital and analogue media and its impacts on society. Their exploratory work is put into practice in artistic exhibitions, interventions in public space and in the development of social software and interfaces.

Das Substitut ist ein gemeinnütziger Raum für Kunst aus der Schweiz. Die Ausstellung zeigt sechs Arbeiten der Schweizer !Mediengruppe Bitnik aus den letzen drei Jahren und ein neues Werk, entwickelt für die transmediale.11. Ihr Schwerpunkt liegt auf der Arbeit mit elektronischen Medien – mit ihren prozessorientierten Aktionen zeigen sie das das Durchdrungensein unseres Alltags von Technologie und den Zusammenhang zwischen digitalen Medien und gesellschaftlichen Grundsatzfragen.

Address:
Substitut – Raum für aktuelle Kunst aus der Schweiz, Torstraße 159, 10115 Berlin
substitut-berlin.ch

Opening hours:

Wed – Thu, 16:00 – 19:00, Fri 16:00 – 21:00, Sat 14:00 – 18:00

Dec 162010

StyxPerformance at CCF, Bandung Indonesia. Photographer Idhar ResmadiPartner: STYX Projects
Exhibition:
As Long As You Stay With Me You Are Safe
Artist:
Benjamin Laurent Aman
Vernissage:
28 January 2011, 19:00 – 22:00
Dates:
29 January – 16 February 2011
Cost:
Free admission

Project description:
STYX Projects is pleased to present sound and visual artist Benjamin Laurent Aman’s first solo show in Berlin, »As Long As You Stay With Me You Are Safe«. Aman’s work draws a circle around a situation defined by sound, light, installation elements, gallery, surroundings, and asks us to see what happens. And what happens, firstly, is that the circle breaks up: the lights go on and they go off, the field of the gallery space is broken up by pieces of furniture, people come and they go. The point is that the breaking of this circle is a beginning… A sonic landscape surrounds these elements with a texture made up of breaks. Clean digital sounds derived from a basic wave generator toggle with and overlay the uncertain hiss and cracks of tape recordings. Yet the intention of this work is not simply to chop up an environment or disorient the viewers passing through it. A series of objects populate it – targets with bullet holes, pieces of furniture – that anchor the audience passing through the exhibition, temporarily holding together sound, visual, and architectural elements. These objects are comforting in that they hold our attention, but also uncanny in that they register a violence and a threat that is just outside of the situation we are experiencing. If a relational aesthetics taught us that art can be a matter of embodied, human, and social experience just as much as the private experience of aesthetic consumption it was so often taken to be, Aman‘s work suggests that these two kinds of experience are not incompatible. He invites us into a relational art that embraces the sounds and sights of humans, but also floorboards, the concrete and stone of buildings, the unpredictabilities of a neighborhood, and even the echoes of inorganic matter. Around the broken circle his installation draws for us, we pass both alone and together – a space that wants to be inhabited but can never be stepped into the same way twice.

A full-colored catalogue published by STYX Press will accompany the exhibition. Throughout »DAS Weekend«, Aman will present several sound performances within his installation during STYX’s opening hours. Benjamin Laurent Aman (* 1981 in Rouen) graduated in 2004 from the Nancy Academy of Fine Arts. Since then his work has been shown in numerous French and international group exhibitions. He has released about 30 records of experimental music and field recordings and is the founder of the cult underground label »Razzle Dazzle«. His work is held in FCAC Marseille aswell as in private collections in Paris, Metz and Berlin. Aman lives and works in Berlin.

In seiner ersten Berliner Einzelausstellung lotet der französische Künstler und Musiker Benjamin Laurent Aman die Grenzen zwischen Ausstellungsfläche und Umgebung aus, indem er deren architektonische und situative Bedingungen hinterfragt und spielerisch verfälscht.

Venue info:
STYX Projects is an independent art space and gallery, maintaining branches in Berlin and London as well as its own publishing house, STYX Press. STYX Projects was founded in 2008 and since then has dedicated itself to creating an ongoing, reputable and critical showcase for emerging as well as established international artists.

STYX Projects ist ein unabhängiger Galerieraum mit Zweigstellen in Berlin und London, dem der hauseigene Verlag STYX Press angegliedert ist. STYX Projects wurde im Jahr 2008 gegründed und widmet sich seitdem der kontinuierlichen Präsentation und Förderung aufsteigender und etablierter internationaler Künstler.

Address:
STYX Projects Berlin, The Old Brewery (2nd floor left), Landsberger Allee 54, 10249 Berlin
styx-projects.com

Opening hours:

Opening times: Fri – Sun, 15:00 – 17:00 or by appointment

Dec 162010

Partner: Stedefreund
Project:
Black Room Project (Room 641A) / During the exhibition: Archeology of Holes – Creating an archive
Artist: Ari Benjamin Meyers, Lucinda Dayhew, Marlena Kudlicka, Claudia Kugler
Curator: Annette Gentz
Date: 30 January 2011, 17:00 – 21:00
Cost: Free admission

Project description:
Black Room Project began as a project for raumlabor’s temporary building, the “Orbit”, a free standing container situated on a traffic island in Freiburg, Germany. Ari Benjamin Meyers and Lucinda Dayhew lived in the Orbit for seven days, carrying out various rituals and performances in complete darkness and isolation. During this time it remained inaccessible to the public. A news report served as a basis for the project.
“After the divorce from her husband a woman allegedly barricaded herself in her house with her three children, then aged six, ten and thirteen in the suburb of Pöstlingberg in Linz, Austria. She closed the curtains, unscrewed all the lightbulbs and stopped the children from going to school. In this prison the three girls developed their own language…” –kurier.at
The artists used voice, props from the theatre and themselves as (musical) performers to make on site sound, music and video recordings in order to create a kind of opera. These “performances for nobody” usually took place at night and were for the most part unseen and unheard. A three screen video installation is the result of this work.

Black Room Project begann als Vorhaben für raumlabor, die ein temporäres Gebäude, den „Orbit” gestaltet haben. Der „Orbit“ war ein auf einer Verkehrsinsel in Freiburg platzierter frei stehender Container. Ari Benjamin Meyers und Lucinda Dayhew haben den „Orbit“ sieben Tage bewohnt und verschiedene Rituale und Performances in vollständiger Dunkelheit und Isolierung durchgeführt. Für das Publikum war das Gebäude während dieser Zeit nicht zugänglich.Ausgangspunkt für das Projekt war ein Zeitungsartikel.
„Nach der Scheidung von ihrem Mann soll sich eine Frau mit ihren damals sechs, zehn und dreizehn Jahre alten Kindern in ihrem Haus am Linzer Pöstlingberg verbarrikadiert haben. Sie zog die Vorhänge zu, schraubte alle Glühbirnen heraus und ließ die Mädchen nicht mehr zur Schule gehen. In ihrem Gefängnis entwickelten die drei Kinder eine eigene Sprache…”-kurier.at
Die Künstler haben Gesang, Requisiten und sich selbst als (musikalische) Performer verwandt um ortsbezogenen Ton, Musik und Videoaufnahmen zu machen und eine Art Oper zu inszenieren. Diese „Performances für Niemanden” fanden hauptsächlich mitten in der Nacht statt und waren für die Meisten nicht sichtbar und nicht zu hören. Daraus ist eine Drei-Kanal Videoinstallation entstanden.

Venue information:
Stedefreund is a project by 12 Berlin artists who share the vision of a space used as a central hub for thematic and spatial interventions, for artistic positions and statements.  Project director: Anne Fäser, Dieter Wenk (project director, p.p.).

Stedefreund ist das Projekt von zwölf Berliner Künstlern, welche die Idee von einem Ort als Umschlagplatz für thematische wie räumliche Interventionen, für künstlerische Stellungnahmen und Positionen teilen. Künstlerische Leitung: Anne Fäser, Dieter Wenk (Vertretung der Projektleitung)

Address:
Stedefreund, Dorotheenstrasse 30, 10119 Berlin
stedefreund-berlin.de

Opening times:

30 January 2011, 17:00 – 21:00

Dec 162010

Partner: STATTBAD Wedding
Project: The Sound of No-One
Artist: Guido Canziani Jona, Douglas Henderson, Marianthi Papalexandri-Alexandri
Curator: Manuel Wischnewski / STATTBAD Wedding
Vernissage: 28 January, 19:00 – 24:00
Dates: 28 January  – 26 February 2011
Cost: free admission

Project description:
Central to “The Sound of No-One” is the absence of a performer. This vacancy inevitably invites questions on where we find ourselves in a radically modernized society; in a time which challenges the position of the human agent via almost life-like technologies. The work of Guido Canziani Jona is characterized by the desire to catch the structure of the soul. Each piece is designed to be the physical space where contradictions coexist as an identical construct – just as is the case with harmony and rhythm in dynamical music. Douglas Henderson’s most operatic study in phenomenological resonance: an empty milk jug in a rainstorm, empty drain pipes on a windy hill, and abandoned wine bottles become materials for a stunning electro-acoustic symphony, which turns the world inside out to reveal the secrets of enclosed spaces and their unheard songs. Marianthi Papalexandri’s work includes compositions and installations for sound objects that she creates herself and in collaboration with artist Pe Lang. Her work invites audience and listener into an evocative audio-visual world by permanently questioning the function of the musical instrument as a sound generator. * Douglas Henderson and Guido Canziani Jona are represented by Galerie Mario Mazzoli.

Die Abwesenheit eines Künstlers macht den Kern von “The Sound of No-One” aus. Es ist diese Leerstelle, die uns der Frage nach dem eigenen Platz innerhalb einer radikal modernisierten Gesellschaft näher bringt – in einer Zeit, deren fast lebendige Technologien die Position des Menschen mit einem immer stärkeren Fragezeichen versehen. Die Arbeit von Guido Canziani Jona ist stets von dem Versuch geprägt, die Struktur der Seele einzufangen. Jedes Werk muss jener physische Ort sein, an dem die Gegensätzlichkeiten im selben, identischen Punkt koexistieren, wie es in der dynamischen Musik Harmonie und Rhythmus tun. Ein leerer Milchkrug im Sturm, ungenutzte Abflussrohre an einem windigen Hügel, liegengelassene Weinflaschen – all dies wird Material für Douglas Hendersons opernhafte Studie zur phänomenologischen Resonanz. Diese elektro-akustische Symphonie stellt die Welt auf den Kopf um ihr die Geheimnisse und ungehörten Klänge geschlossener Orte zu entlocken. Marianthi Papalexandris Werk umfasst Kompositionen und Installationen für Klangobjekte, welche sie zusammen mit dem Künstler Pe Lang entwirft. Die Arbeiten laden das Publikum in eine atmosphärisch aufgeladene, audio-visuelle Welt ein, in welcher die Rolle des Musikinstruments als Erzeuger von Klang permanent in Frage gestellt wird. Douglas Henderson und Guido Canziani Jona werden von der Galerie Mario Mazzoli vertreten.

Venue information:
Stadtbad Wedding took a spectacular step forward into the second century of its history when it became STATTBAD Wedding, a centre for contemporary art and culture. Originally designed as a magnificent piece of late-Prussian pomp and rebuilt in the 60s, the house was facing an uncertain future when closed down in 2001. But in an unexpected turn of events, the Stadtbad was called from its premature deathbed in 2009. Where women and men once had to enjoy their swim in separate halls, creative people from all over the world are now exploring the unique spaces with great enthusiasm and cutting-edge ideas.

Das STATTBAD Wedding hat einen spektakulären Sprung in das zweite Jahrhundert seiner Geschichte gewagt. Ursprünglich als Musterbeispiel preußischen Pomps errichtet und später im Stil der 60er Jahre umgebaut, blieb das einstige Herzstück des traditionellen Arbeiterbezirkes nach seiner Schließung lange ungenutzt. Erst im Jahr 2009 wurde es mit jener für Berlin typischen Geste wiederbelebt: Aus dem Stadtbad wurde das STATTBAD – ein Haus für zeitgenössische Kultur und Kunst. Dort wo Frauen und Männer zu Beginn des letzten Jahrhunderts noch getrennt in zwei Hallen ihre Bahnen zogen, bietet sich heute Kreativen aus aller Welt ein einzigartiger Raum für die Entfaltung ihrer Ideen.

Address:
Stattbad Wedding, Gerichtstraße 65, 13347 Berlin
stattbad.net

Opening times: 28 January 2011, 19:00 – 24:00 / 29 – 30 January, 14:00 – 19:00 /31 January  – 26 February, Wed – Sat, 14:00 – 19:00

Partner: Skalitzers Contemporary Art
Project: Earthbound Escape
Artist: Babou, Tanc (Paris)
Vernissage: 28 January, 18:00 – 22:00
Exhibition dates: 28 January & 29 January, 18:00 – 22:00
Cost: Free admission

Project description:

Skalitzers invites Babou and Tanc to Berlin for DAS Weekend, one year after their first Berlin appearance in the group exhibition ‘Kiss The City’ in 2009. Both artists work across both traditional visual, digital art and music genres, incorporating movement, sound, light and projection. Their recent exhibition together, ‘Dark is Beautiful’  featured projections, videos and DJ sets. In ‘Earthbound Escape’, the two artists explore the visual and emotional boundaries between art, music and life. Babou recreates urban panoramas evoking the universes of James Ellroy, Jack Kerouac and John O’Brien. His works take on cinematographic tendencies, sparkling yet gritty, the city portraits draw us in like the red lights of a street boudoir. Tanc’s abstract works embrace spontaneity – of his tag, people, music and life itself – their density and rigor defined by his emotional state: ‘My heart rhythm moves my arm like a metronome. I must not try to control its flow but only understand the composition it causes to appear, finding balance between my conscious and subconscious.’

‘The media is not important; only idea’s build a plastic work.’ (Babou)

“I see silence as a blank page… I place different rhythm and melody as forms and colours that change and are alternated by changing the frequency of my sounds.’ (Tanc)

Join us a Skalitzers for two nights only, two unique performances on 28 and 29 January.

Skalitzers lädt für DAS Weekend erneut die beiden Künstler Babou und Tanc nach Berlin ein, nachdem sie vor einem Jahr bei der Gruppenausstellung “Kiss the City” ihr Berlin-Debüt hatten. Beide beschäftigen sich mit der Verbindung von “klassischer” visueller Digitaler Kunst und verschiedener Musikgenres, indem sie Bewegung, Klang, Licht und Projektion in ihre Arbeit einbeziehen. In ihrer jüngsten Kooperation mit dem Titel “Dark is beautiful” präsentierten sie Projektionen, Videos und DJ-Sets.

In „Earthbound Escape“ loten die beiden Künstler die visuellen und emotionalen Grenzen zwischen Kunst, Musik und Leben aus.

„Das Medium ist nicht wichtig; eine künstlerische Arbeit besteht nur aus den Ideen.“ (Babou)

„Ich sehe Stille als eine leere Seite… Ich setze verschiedene Rhythmen und Melodien als Formen und Farben, die sich verändern, indem ich die Frequenz meiner Klänge verändere.“ (Tanc)

Kommt zu Skalitzers und besucht zwei einzigartige Performances an nur zwei Abenden – am 28. und 29. Januar 2011.

Venue information:
Skalitzers Contemporary Art has an international focus on new artists and art forms, in particular, on artists whose style has developed out of their work on the street. Established in September 2009 in Kreuzberg, the gallery opened with the ‘Fine Lines’ series, focusing on the tag as a global art form. Artists exhibited include Cope2, L’Atlas, Babou, Sun7, Tanc, Danny Gretscher, Rory Schmitz and ROA.

Skalitzers Contemporary Art präsentiert neue internationale Künstler und Kunstformen und bietet insbesondere solchen Künstlern ein Forum, deren Stil sich aus ihrer Arbeit auf der Straße entwickelt hat. Die Galerie öffnete im September 2009 mit der Ausstellungsreihe “Fine Lines”, die sich mit dem Phänomen des tag als globaler künstlerischer Kunstform beschäftigt. Künstler ausgestellt sind Cope2, L’Atlas, Babou, Sun7, Tanc, Danny Gretscher, Rory Schmitz and ROA.

Address:
Skalitzers Contemporary Art, Skalitzer Strasse 43, 10997 Berlin /Kreuzberg
skalitzers.com

Opening times: 18:00 – 20:00

Dec 162010

Partner: SEPTEMBER
Project: Vor dem Tempel der Ungerechtigkeit
Artist: Nikolaus Utermöhlen
Vernissage: 14 January 2011, 19:00 – 21:00
Dates: 15 January – 4 February 2011
Cost: Free admission

Project description:
Nikolaus Utermöhlen was the driving force behind the now legendary group “Die Tödliche Doris” in the eighties and nineties, which had an important influence on the art scene in Berlin. After the group split up in 1987, he continued with the concept of aesthetic ambiguity as a solo artist, until his death in 1996. His body of work has always had insider status, as he was only 38 years old when he died from Aids – therefore leaving behind a limited oeuvre. In the exhibition “Vor dem Tempel der Ungerechtigkeit” (In front of the temple of injustice) SEPTEMBER shows a selection of photo works and pivotal series of his conceptual painting in order to enable a view into Utermöhlens visionary and critical thinking.

Nikolaus Utermöhlen prägte als Gründungsmitglied der inzwischen legendären Gruppe „Die Tödliche Doris“ in den achtziger und neunziger Jahren die Berliner Kunstszene entscheidend mit. Nach der Auflösung der Gruppe 1987 führte er das Konzept der ästhetischen Vieldeutigkeit als Einzelkünstler bis zu seinem Tod 1996 weiter. Dass sein bildnerisches Werk noch immer Insider-Status hat, liegt auch daran, dass er nur 38-jährig an den Folgen von Aids starb und ein begrenztes Oeuvre hinterließ. SEPTEMBER zeigt in der Werkschau Vor dem Tempel der Ungerechtigkeit eine Auswahl von Fotoarbeiten und zentrale Serien seiner konzeptionellen Malerei, die Einblicke in Utermöhlens visionären und kritisches Denken geben.

Venue information:
SEPTEMBER was founded in the fall of 2007 by Oliver Koerner von Gustorf and Frank Müller. The main focus of the gallery’s program is on positions that combine an investigation into the history of film, art, design, or architecture with questions on gender, criticism of institutions, or alternative concepts for living. In the future, the emphasis will increasingly be on so-called “outsider artists,” autodidacts, and positions either forgotten or ignored by the art establishment. Part of the gallery’s concept is to invite artists to cooperate with one another and to realize joint projects especially for our gallery.

SEPTEMBER wurde im Herbst 2007 von Oliver Koerner von Gustorf und Frank Müller gegründet. Im Fokus des Galerieprogramms stehen Positionen, die die Beschäftigung mit  Film-, Kunst-, Design- oder Architekturgeschichte mit Fragen nach Gender, Institutionskritik oder alternativen Lebenskonzepten verbinden. In Zukunft werden verstärkt auch so genannte „Outsider – Artists“, Autodidakten oder vom Kunstbetrieb vergessene oder ignorierte Positionen stehen. Bestandteil des Galerienkonzepts ist es, Künstler zu bitten, miteinander zu kooperieren und speziell für unsere Galerie gemeinsame Projekte zu realisieren.

Address:
SEPTEMBER, Charlottenstr. 1, 10969 Berlin
september-berlin.com

Opening hours: Thu – Sat, 12:00 –18:00

Dec 162010

Partner: Schering Stiftung
Exhibition:
Fingerprints… – Biomedia Art
Artist:
Paul Vanouse
Vernissage:
27 January, 19:00
Dates:
28 January – 26 March 2011
Cost:
Free admission

Project description:
Paul Vanouse’s performative installations are live laboratories that subversively challenge the codes and images of contemporary knowledge production in molecular biology. What do uncritically accepted commonplace catchwords such as ‘genetic fingerprint’ conceal? To what extend does the technical construction of alleged naturalness notarize clichés and prejudices? Vanouse diverts biotechnologies and scientific imaging techniques from their intended uses, and amalgamates auratic iconography with technical images. Employing gel electrophoresis as artistic medium, he intentionally applies a method that bears analogies to photography: while photography allowed viewers to draw seemingly objective conclusions about human qualities based on physiognomic characteristics of the body, today increasingly questionable social conclusions are derived from ontologized body fragments such as genes. This exhibition presents the world premiere of the Suspect Inversion Center, an operational laboratory in which Vanouse creates identical ‘genetic fingerprints’ of criminals and celebrities from his own DNA. The exhibition also includes new motifs of the Latent Figure Protocol, as well as the Relative Velocity Inscription Device – a cynical molecular race reflecting on biologically legitimized racism, in which bits of DNA, instead of bodies, compete by testing their ‘genetic fitness’. Supported by the Ernst Schering Foundation.

Die performativen Installationen von Paul Vanouse sind molekularbiologische Live-Laboratorien, die Codes und Bilder heutiger Wissensproduktion subversiv hinterfragen. Was verbirgt sich hinter unkritisch hingenommenen Floskeln wie ‘genetischer Fingerabdruck’? Inwieweit werden mit der technischen Konstruktion vermeintlicher Natürlichkeit Klischees und Vorurteile beglaubigt? Vanouse zweckentfremdet Biotechnologien und wissenschaftliche Bildgebungstechniken, mischt auratische Ikonographie und technisches Bild. Mit der Gelelektrophorese wählt Vanouse bewusst ein Verfahren, welches Analogien zur Fotographie aufweist: Diente diese einst der Physiognomik, um von ‚objektiv’ festgestellten Körpermerkmalen auf vermeintliche Eigenschaften zu schließen, so werden heute aus ontologisierten Körperfragmenten wie ‘Genen’ zunehmend gesellschaftlich fragwürdige Schlussfolgerungen gezogen. Die Ausstellung präsentiert die Weltpremiere des Suspect Inversion Center, in dem Vanouse live aus seiner eigenen DNA exakt identische ‘genetische Fingerabdrücke’ gesuchter Krimineller und Prominenter herstellt; neue Motive seines Latent Figure Protocol; sowie das Relative Velocity Inscription Device, ein zynisches Wettrennen vor dem Hintergrund eines biologistisch legitimierten Rassismus, in welchem DNA-Moleküle statt Körper ihre genetische Fitness testen. Gefördert durch die Schering Stiftung.

Venue information:
The Ernst Schering Foundation was founded in 2002 as an independent non-profit foundation promoting science, culture and projects at the interface of art and science. It facilitates the exchange of methods and modes of operation, as well as a more fundamental dialogue between artists and scientists about socially relevant topics. The foundation encourages interdisciplinary discourses by hosting exhibitions, talks and workshops in its project room. A central concern is to illustrate the methodological approach of ‘art as research’. The exhibition Fingerprints… by Paul Vanouse, curated by Jens Hauser, is a continuation of the Ernst Schering Foundation’s effort to promote the public discussion about the role of images in art and science. The biotechnological installations of the American artist Paul Vanouse question the notion of the scientific image itself, as well as the methods behind (natural) scientific findings in general. This show is Vanouse’s first monographic exhibition in Germany. It will be echoed by the transmediale conference supported by the Ernst Schering Foundation, where the artist and the curator as well as internationally renowned scientists will enlarge upon the epistemological issues raised by the exhibition.

Die 2002 gegründete unabhängige und gemeinnützige Schering Stiftung dient der Förderung von Wissenschaft, Kultur und Projekten an der Schnittstelle von Kunst und Wissenschaft. Dabei geht es sowohl um den Austausch von Methoden und Arbeitsweisen wie um einen grundlegenden inhaltlichen Dialog von Künstlern und Wissenschaftlern zu gesellschaftlich relevanten Fragen. Dem interdisziplinären Diskurs zwischen Wissenschaft, Kultur und Gesellschaft widmet sich die Stiftung auch mit Ausstellungen, Vorträgen und Workshops in ihrem Projektraum. Einen Schwerpunkt bildet dabei die Präsentation von “Kunst als Forschung”.  Mit der von Jens Hauser kuratierten Ausstellung „Fingerprints…“ von Paul Vanouse setzt die Schering Stiftung ihr Engagement für einen öffentlichen Dialog über das Bild in Kunst und Wissenschaft fort. Der US-amerikanische Künstler Paul Vanouse stellt mit seinen biotechnologischen Installationen nicht nur das wissenschaftliche Bild in Frage, sondern auch die Methoden (natur-)wissenschaftlicher Erkenntnis. Parallel zur ersten monografischen Präsentation von Paul Vanouses Werk in Deutschland findet in Kooperation mit der Transmediale eine Konferenz statt, zu der neben dem Künstler und Kurator auch internationale Wissenschaftler eingeladen sind, um die von Vanouse aufgeworfenen Fragen zu vertiefen.

Address:
Schering Stiftung Berlin, Unter den Linden 32 – 34, 10117 Berlin
scheringstiftung.de

Opening hours: Mon – Sat, 11:00 – 18:00 and special opening hours during DAS Weekend January 30, 11:00 – 18:00

Partner: Berliner Planetarium und Sternwarte Wihelm-Foerster e.V. (Planetarium am Insulaner)
Project: Moonwalk
Artist: Clea T. Waite
Vernissage: 29 January, 14:30 – 16:00 (Film starts at 15:00)
Dates: 29 January – 18 February
Cost: 7 EUR, 5 EUR concession

Project description:
Written and created by CLEA T. WAITE with sound design by HELGA POGATSCHAR, 2010. 22min. Moonwalk is an immersive experimental film experience of humanityʼs relationship with the Moon. The film characterizes this placid heavenly body as a living, scintillating force. Decidedly multicultural, Moonwalk weaves together literature and science with iconic songs and imagery into a grand audiovisual hyperlink. Proceeding from the raw material of countless photos which comprise lunar atlases, the Moon shatters into pieces, and then rebuilds itself. The Moon evolves from it’s familiar pregnant blackness to a lambent, jittering hive of voices and sounds, reaching beyond the idealized childhood daydreams of the heavens, past the familiar Apollo footage, and into the tender roots of culture which weave throughout our daily personal lives. The film reminds us of the Moon’s ubiquity, compelling us to reconstruct our own personal history of the Moon. Watching Moonwalk we are reminded, as if for the first time, of the power, presence, and emotional gravity the Moon commands. It uses the exceptional hemispherical format for itʼs expansive scope and the somatic presence of the space to create a rare film combining art and science. Moonwalk was awarded the IBM Innovation Grand Prize for Creation in Art and Technology.

Eine digitale Kuppelprojektion der amerikanischen Künstlerin CLEA T. WAITE mit einem Sounddesign von HELGA POGATSCHAR. 2010, 22 Minuten. Moonwalk ist ein großformatiger, hemisphärischer Experimentalfilm, ein fesselndes Erlebnis das die Zuschauer mit dem Mond umhüllt. Der Film ist eine Reise über dem Mond durch Raum und Zeit, eine lyrische Geschichte über die Beziehung zwischen Menschheit und Mond von ersten kulturellen Anfängen bis hin zum Weltraumzeitalter und den Erinnerungen der Generation des kalten Krieges. Der Mond inspiriert Liebe und Wahnsinn, steuert Werwölfe und die Gezeiten. Er ist Empfänger von Gebeten, Gedichten und Liedern seit Anbeginn menschlichen Bewusstseins. Moonwalk besteht aus Archivmaterial, astronomischen Fotografien, original Tonaufnahmen, Geschichten und Gedichten verschiedenster Kulturen und Zeitepochen. Gestaltet zur Projektion auf einer traditionellen Planetariumskuppel, erschaft Moonwalk eine somatische Presenz von Raum und kreiirt eine seltene Verbindung von Kunst und Wissenschaft. Moonwalk ist mit der IBM Innovations Grandprix für Kreation in Kunst und Technologie ausgezeichnet worden.

Venue information:
The Zeiss-Planetarium lies at the foot of the “Insulaner”, a mountain of ruins. In the large dome of the Planetarium you can experience a magnificent artificial night sky regardless of whether thereʼs rain, storm, or snow outside. We offer a broadly diverse program: live astronomy shows, radio plays, readings, laser shows, multimedia, live music, special childrenʼs programs, and unique events with artists and scientists – and since Fall 2010 with state-of-the-art Fulldome Projection. Das Planetarium am Insulaner und der Wilhelm Foerster-Sternwarte e.V.

Das Zeiss-Planetarium liegt am Fuße des Trümmerberges “Insulaners”. In der großen Kuppel des Planetariums erleben Sie einen prachtvollen, künstlichen Sternenhimmel, egal, ob es draußen regent, stürmt oder schneit. Wir bieten Ihnen ein weit gefächertes Programm: Astronomische Live-Vorträge, Hörspiele, Lesungen, Lasershows, Multimedia, Live-Musik, spezielle Kinderprogramme und besondere Veranstaltungen in Zusammenarbeit mit Künstlern und Wissenschaftlern können seit Herbst 2010 auch mit modernster Fulldome-Projektionstechnik erlebt werden. The Planetarium am Insulaner and the Wilhelm-Foerster-Sternwarte e.V.

Address:

Zeiss-Planetarium, Wilhelm-Foerster-Sternwarte e.V. mit Planetarium am Insulaner, Munsterdamm 90, 12169 Berlin
planetarium-berlin.de

Screening times: Sat 29 January, 15:00/ Sun 30 January, 20:00 / Fri 4 February, 17:00 / Sat  5 February, 15:00/ Mon 14 February, 19:00 & 20:00 / Fri 18 February, 17:00

Partner/venue name: Berliner Planetarium und Sternwarte Wihelm-Foerster e.V.
(Planetarium am Insulaner)
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Exhibition name: Moonwalk
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Artist name/s: Clea T. Waite
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Curator name/s (if a group exhibition):
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Preview date & start/end time (Vernissage): 29-1-2011 14:30 – 16:00 (Film Anfang am 15:00)
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Exhibition/Event dates: 29-1-11 -> 18.2.11 (see screening dates & times below)
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Cost of entry (please specify if free): 7€, 5€ Ermäßigung
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Project description in Deutsch and English: (100-200 words for each language)
Moonwalk
Eine digitale Kuppelprojektion der amerikanischen Künstlerin CLEA T. WAITE
mit einem Sounddesign von HELGA POGATSCHAR. 2010. 22 Minuten
Moonwalk ist ein großformatiger, hemisphärischer Experimentalfilm, ein fesselndes Erlebnis das die
Zuschauer mit dem Mond umhüllt. Der Film ist eine Reise über dem Mond durch Raum und Zeit, eine
lyrische Geschichte über die Beziehung zwischen Menschheit und Mond von ersten kulturellen
Anfängen bis hin zum Weltraumzeitalter und den Erinnerungen der Generation des kalten Krieges.
Der Mond inspiriert Liebe und Wahnsinn, steuert Werwölfe und die Gezeiten. Er ist Empfänger von
Gebeten, Gedichten und Liedern seit Anbeginn menschlichen Bewusstseins. Moonwalk besteht aus
Archivmaterial, astronomischen Fotografien, original Tonaufnahmen, Geschichten und Gedichten
verschiedenster Kulturen und Zeitepochen. Gestaltet zur Projektion auf einer traditionellen
Planetariumskuppel, erschaft Moonwalk eine somatische Presenz von Raum und kreiirt eine seltene
Verbindung von Kunst und Wissenschaft.
Moonwalk ist mit der IBM Innovations Grandprix für Kreation in Kunst und Technologie ausgezeichnet
worden.
Moonwalk
written and created by CLEA T. WAITE with sound design by HELGA POGATSCHAR
2010. 22min.
Moonwalk is an immersive experimental film experience of humanityʼs relationship with the Moon. The
film characterizes this placid heavenly body as a living, scintillating force. Decidedly multicultural,
Moonwalk weaves together literature and science with iconic songs and imagery into a grand
audiovisual hyperlink. Proceeding from the raw material of countless photos which comprise lunar atlases,
the Moon shatters into pieces, and then rebuilds itself. The Moon evolves from it’s familiar pregnant blackness
to a lambent, jittering hive of voices and sounds, reaching beyond the idealized childhood daydreams of
the heavens, past the familiar Apollo footage, and into the tender roots of culture which weave
throughout our daily personal lives. The film reminds us of the Moon’s ubiquity, compelling us to
reconstruct our own personal history of the Moon. Watching Moonwalk we are reminded, as if for
the first time, of the power, presence, and emotional gravity the Moon commands. It uses the
exceptional hemispherical format for itʼs expansive scope and the somatic presence of the space to
create a rare film combining art and science.
Moonwalk was awarded the IBM Innovation Grand Prize for Creation in Art and Technology
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Venue information in Deutsch and English: (50-100 words for each language)
Das Planetarium am Insulaner und der Wilhelm-Foerster-Sternwarte e.V.
Das Zeiss-Planetarium liegt am Fuße des Trümmerberges “Insulaners”. In der großen Kuppel des
Planetariums erleben Sie einen prachtvollen, künstlichen Sternenhimmel, egal, ob es draußen regent,
stürmt oder schneit. Wir bieten Ihnen ein weit gefächertes Programm: Astronomische Live-Vorträge,
Hörspiele, Lesungen, Lasershows, Multimedia, Live-Musik, spezielle Kinderprogramme und
besondere Veranstaltungen in Zusammenarbeit mit Künstlern und Wissenschaftlern können seit
Herbst 2010 auch mit modernster Fulldome-Projektionstechnik erlebt werden.
The Planetarium am Insulaner and the Wilhelm-Foerster-Sternwarte e.V.
The Zeiss-Planetarium lies at the foot of the “Insulaner”, a mountain of ruins. In the large dome of the
Planetarium you can experience a magnificent artificial night sky regardless of whether thereʼs rain,
storm, or snow outside. We offer a broadly diverse program: live astronomy shows, radio plays,
readings, laser shows, multimedia, live music, special childrenʼs programs, and unique events with
artists and scientists – and since Fall 2010 with state-of-the-art Fulldome Projection.
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Address: Wilhelm-Foerster-Sternwarte e.V. mit Planetarium am Insulaner
Munsterdamm 90, 12169 Berlin
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URL: http://www.planetarium-berlin.de
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Venue opening times duration event/exhibition:
Screenings
Saturday/Samstag 29-1-2011 15:00
Sunday/Sonntag 30-1-2011 20:00
Friday/Freitag 4-2-2011 17:00
Saturday/Samstag 5-2-2011 15:00
Monday/Montag 14-2-2011 19:00
Monday/Montag 14-2-2011 20:00
Friday/Freitag 18-2-2011 17:00
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Please attach (where applicable):
- Project/artist image/s: see Link:

http://www.clea-t.de/moonwalk_Download.html

- Venue logo or image/s: see attachments for logos. Images @:

http://www.monika-staesche.de/DL/WFS_300dpi.zip

Partner: ohrenhoch, der Geräuschladen
Project:
PHONPIXMIX
Artists:
ohrenhoch-Kids, Knut Remond
Curator:
Knut Remond
Event dates:
Friday 28 January 18:00 – 22:00, Saturday 29 January 14:00 – 21:00, Sunday 30 January 14:00 – 21:00
Cost of entry:
Free

Project description:
PHONPIXMIX is composed of archive sounds and live videos. The mixture is blended with umpteen jolly and spirited ingredients by the ohrenhoch-Kids and the ohrenhoch-Kids-juniors. A call for all ohrenhoch fans and for those who want to become a fan: specially children, but also adults are invited to participate for some minutes in “PHONPIXMIX” Weekend, as a player and important part. Knut Remond will care for you for these interactions. Your PHONPIXMIX sticker can be shown on ohrenhoch youtube and by live stream. ‘ohrenhoch, der Geräuschladen’ will launch ohrenhoch.tv (live stream) this weekend. Also the new website ohrenhoch.org will be activated.

PHONPIXMIX besteht aus Archiv-Geräuschen und Live Videos. Die Mixtur ist quietschfidel und geistvoll angerührt mit X Zutaten von den ohrenhoch-Kids und dem ohrenhoch-Kids-Nachwuchs. Ein Aufruf an alle ohrenhoch-Fans und die es werden möchten: speziell die Kinder aber auch die Erwachsenen sind eingeladen und können für ein paar Minuten in diesem “PHONPIXMIX” bzw. Weekend auch als Akteur mitwirken und ein wichtiges Teilchen sein. Dabei werden sie von Knut Remond in dieser Interaktion begleitet. Ihre PHONPIXMIX Sticker können im ohrenhoch youtube und im live stream gezeigt werden. ‘ohrenhoch, der Geräuschladen’ wird an diesem Weekend ohrenhoch.tv (live stream) aufschalten. Diesbezüglich wird die brandneue Webseite ohrenhoch.org zum Anklicken frei geschaltet.

Venue information:
“ohrenhoch, der Geräuschladen” is a sound gallery with a nonalcoholic minibar, presenting every Sunday 2 pm – 9 pm works of renowned sound artists from home and abroad, on the fixed specially designed loudspeaker installation, played-back in loop mode from a CD or MP3-player. Each work is presented on two consecutive sundays.
Also scores, diagrams, notes, objects belonging to the presented composition, sound installations or video works can be presented. Live-Acts at ohrenhoch take place at irregular intervals, the equipment of the performer must fit in a handbag.  “ohrenhoch, der Geräuschladen” is also a school for electroacoustic music, a laboratory for sound installations, sound objects, field recordings and radio plays for children and young persons from 5-14 years, conducted by Knut Remond.

“ohrenhoch, der Geräuschladen” ist eine Hörgalerie mit alkoholfreier Minibar, die jeden Sonntag von 14 – 21 Uhr über die speziell konzipierte feste Lautsprecher-Installation Werke von renommierten KlangkünstlerInnen aus dem In- und Ausland präsentiert, abgespielt im Loop-Modus ab CD- oder mp3-Player. Jedes Werk/Stück wird an zwei aufeinanderf olgenden Sonntagen präsentiert, Auch Partituren, Diagramme, Notizen, Objekte zur gerade zu hörenden Komposition können ausgestellt, Soundinstallationen und Videoarbeiten präsentiert werden. Live-Acts im ohrenhoch finden in unregelmässigen Abständen statt, das Instrumentarium des/der PerformerIn muss in einem Handtäschchen Platz haben. “ohrenhoch, der Geräuschladen” ist auch eine Schule für elektroakustische Musik bzw. ein Labor für Klanginstallation, Klangobjekte, Field Recordings und Hörspiele für Kinder u. Jugendliche von 5-14 Jahren, geleitet von Knut Remond.

Address: Weichselstr. 49, 12045 Berlin-Neukölln, ohrenhoch.org
Opening times: 28 January 18:00 – 22:00, 29 January 14:00 – 21:00, 30 January 14:00 – 21:00

Dec 162010

Partner: NK Projekt
Exhibition: Sound & Memory: Movements in Possible Histories or a Composition for 24 Windows, Varia zoosystematica profundorum, Rorschach #1
Artists: Martti Mela, Libero Mureddu, Otto Korkalo, Generative Art/Computational Art Class (Alberto de Campo, UdK Berlin), RJ Fischer. Curator Farahnaz Hatam, Assistant curator Timur Kuyanvo
Vernissage: 27 January, 19:00 – 22:00
Dates: 28 January – 27 February 2011, events on 28 and 30 January 2011
Cost: free admission

January 28 (doors open 21:00, concert starts 22:00) – RedFrik // Yvan Volochine // Rubén Patiño // JD Zazie // Manecante
January 30 (doors open 20:00, concert starts 21:00) - Ignaz Schick // DAWID SZCZESNY // Andrea Belfi // Mat Pogo

Project description:
In Sound & Memory Installation: Movements in Possible Histories or a Composition for 24 Windows by Martti Mela, Libero Mureddu and Otto Korkalol, the space creates short sonic histories for the visitors. These histories shape how the space sounds for the future visitors. The piece offers a clear distinction between the interactive and reactive. The reaction of the space is unique for each of the visitors and supports their mutual encounters within the space.
Varia zoosystematica profundorum
by the Generative Art/Computational Art Class (Alberto de Campo, UdK Berlin) presents models of mainly acoustic communication in the deep sea. A number of actants (“creatures”) transmit symbols (“letters”), assemble them into chains (“words”), and express these by sound, light, or motion  patterns. Freely simulating aspects of animal behavior, one may find that the strangeness of the unknown reflects the human world in unexpected ways.
Rorschach #1
by RJ Fischer is the first in a series of generative installations. It is an experiment in creating a continuously changing, personalized feedback loop. NK’s programme will also feature performances and the workshop  Reconstructing our memories with Ignaz Schick. For more information on their programme head to nkprojekt.de.

In Sound & Memory – Movements in Possible Histories or a Composition for 24 Windows von Martti Mela, Libero Mureddu und Otto Korkalol erzeugt der Raum kurze klangliche Geschichten für die BesucherInnen. Diese Geschichten bestimmen, wie der Raum für spätere BesucherInnen klingt. Es gibt eine klare Unterscheidung zwischen Interaktion und Reaktion. Die Reaktion des Raumes ist für jeden Besucher einzigartig und unterstützt deren Begegnungen im Raum.
Varia zoosystematica profundorum von der Klasse Generative Kunst/Computational Art der UdK Berlin (Alberto de Campo) zeigt Modelle der akustischen Kommunikation in der Tiefsee – Aktanten (“Kreaturen”) senden Symbole (“Buchstaben”), bauen daraus längere Ketten (“Worte”), und drücken sie als Klang-, Licht- und/oder  Bewegungsmuster aus. In der Simulation von Tierverhalten kann man  beobachten, dass die Fremdheit des Unbekannten die menschliche Welt auf unerwartete Weisen reflektiert.

Rorschach #1 von RJ  Fischer ist die erste in einer Reihe von generativen Installationen. Die Arbeit experimentiert mit der Herstellung einer sich kontinuierlich verwandelnden, personalisierten Feedback-Schleife. Das  NK-Programm beinhaltet auch Performances und den Workshop  Reconstructing our memories”mit Ignaz Schick. Mehr Information unter nkprojekt.de.

Venue information:
NK is an artist run independent non-profit organisation dedicated to Sound Arts. The interest is in taking part in the creation and support of a ‘culture’, with a focus on experimental music. To this end NK organises public events that promote non-mainstream cultural production, and provide a platform for discussing paradigms in music and its problematics. Their project at transmediale.11 includes three installations experimenting with acoustic elements.

NK ist eine von KünstlerInnen betriebene Non-Profit-Organisation, die sich der Sound Art widmet. Es geht um die Schaffung einer Kultur, die experimentelle Musik kreiert und fördert. Deshalb organisiert NK öffentliche Events, die Kulturproduktion fern ab vom Mainstream präsentieren und eine Plattform schaffen, in der Paradigmen in der Musik und ihre Problematiken diskutiert werden können. Ihr Programm für die transmediale.11 beinhaltet drei Installationen, die mit akustischen Elementen experimentieren.

Address:
NK Projekt, Elsenstr. 52, 12059 Berlin
nkprojekt.de

Opening hours: Mon – Thur, 12:00 – 17:00, Fri 10:00 –12:00, Sat and Sun by appointment

dasweekend.de is a project by transmediale, CTM / club transmediale and Create Berlin Berlin cityscape by TrinhBuscher designed by ® ruddigkeit corporate ideas
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